El proyecto de investigación documental Hall of Frame reúne una colección de entrevistas a algunos de los más grandes profesionales del cine español. Su objetivo principal es revelar al público la riqueza y diversidad de las disciplinas que componen el mundo cinematográfico, así como rendir homenaje a las figuras destacadas de nuestro cine que, a menudo, trabajan tras las cámaras y permanecen en la sombra del reconocimiento público.
El cine es una suma de esfuerzos colaborativos donde múltiples talentos se conjugan para dar vida a obras que trascienden el tiempo. Este proyecto busca iluminar las trayectorias y experiencias de figuras esenciales como directores de fotografía, montadores, diseñadores de vestuario, compositores, guionistas, directores de arte, técnicos de sonido y otros profesionales que son indispensables para crear la magia del séptimo arte.
Cada entrevista está cuidadosamente diseñada para capturar no solo el conocimiento técnico de estos expertos, sino también sus anécdotas personales, sus inspiraciones y el recorrido de sus carreras. Su registro en formato audiovisual permite transmitir la pasión y el compromiso que estos profesionales han dedicado a la industria, brindando una experiencia más cercana y envolvente que un medio escrito.
Este proyecto también se concibe como un legado cultural y educativo. Al explorar las historias y las técnicas de estos profesionales, se ofrece a estudiantes, aficionados y expertos del cine un recurso valioso para comprender mejor el vasto entramado que compone una producción cinematográfica. Asimismo, sirve de plataforma para que las nuevas generaciones puedan inspirarse en estos testimonios y conozcan de primera mano los retos y logros que enfrentan los artífices del cine.
Finalmente, el proyecto es un tributo al cine español, una industria rica en creatividad y talento, que ha forjado un camino propio en el panorama internacional. A través de estas entrevistas, se busca honrar el trabajo de quienes, con su arte y oficio, han hecho posible que el cine español sea reconocido y admirado en todo el mundo.
Este proyecto promete ser no solo un archivo histórico, sino también una celebración de las voces que construyen, plano a plano, la narrativa visual que tanto emociona e inspira.
EPISODIOS
HALL OF FRAME VOLUMEN 1. TERESA FONT
Con más de cuatro décadas de trayectoria, Teresa Font es una de las montadoras más prolíficas y respetadas del cine español. Desde sus primeros trabajos en la década de los setenta, ha construido una filmografía que supera el centenar de películas y refleja una capacidad para adaptarse a diferentes géneros, estilos y formas de entender el cine. Este primer volumen de la colección de entrevistas documentales Hall of Frame rinde homenaje a una profesional clave en la evolución del montaje español. A través de un recorrido por su carrera y filmografía, Teresa Font comparte de primera mano sus experiencias, métodos de trabajo y reflexiones sobre un oficio esencial, aunque invisible para el gran público. Su trayectoria está ligada a algunos de los cineastas y títulos más destacados de nuestro cine. Con Vicente Aranda participó en películas como El rey pasmado, La pasión turca, Juana la Loca o Libertarias; con Imanol Uribe, en Días contados, Bwana o El viaje de Carol; y con Álex de la Iglesia, en El día de la bestia, Perdita Durango y Muertos de risa. También ha trabajado con Bigas Luna, Terry Gilliam y, más recientemente, Pedro Almodóvar, con quien ganó su segundo Goya por Dolor y gloria. Galardonada con dos Premios Goya al Mejor Montaje, el Premio Ricardo Franco del Festival de Málaga y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Font representa una figura imprescindible del montaje español. En esta conversación descubrimos cómo se construye una película desde la sala de montaje y cómo ritmo, tiempo, sonido e interpretación se combinan para crear la magia cinematográfica.
HALL OF FRAME VOLUMEN 2. PEPE QUETGLAS
Con casi cincuenta años de trayectoria profesional a sus espaldas, José Quetglas es uno de los profesionales del maquillaje, la peluquería y la caracterización más reconocidos, respetados y laureados de nuestro cine. El segundo volumen de la colección de entrevistas documentales Hall of Frame rinde homenaje a este magnífico profesional del séptimo arte, cuya trayectoria está estrechamente ligada a algunos de los títulos y cineastas más importantes de las últimas décadas. A lo largo de su carrera, Quetglas ha demostrado una extraordinaria capacidad para transformar a los intérpretes y contribuir a la construcción visual de personajes que permanecen en la memoria del espectador. Su trabajo ha sido reconocido con ocho premios Goya: siete al mejor maquillaje y peluquería y uno a los mejores efectos especiales, un palmarés que refleja la excepcional dimensión de su trayectoria profesional.Mediante un recorrido histórico por su carrera y su extensa filmografía, conoceremos de primera mano gran cantidad de experiencias, reflexiones y anécdotas surgidas durante la creación de algunas de las películas más relevantes de nuestro cine, como «Amanece que no es poco», de José Luis Cuerda; «El día de la bestia» y «Perdita Durango», de Álex de la Iglesia; o «El laberinto del fauno», de Guillermo del Toro, entre muchas otras. A través de su testimonio, este volumen de Hall of Frame permite acercarse a un oficio esencial y, a menudo, invisible, descubriendo los procesos, decisiones y dificultades que se esconden detrás de cada caracterización. Un recorrido por casi cinco décadas de dedicación al cine y por la mirada de un profesional imprescindible para comprender la evolución de la caracterización cinematográfica en España.
HALL OF FRAME VOLUMEN 3. PABLO BLANCO
Entrevista al célebre montador cinematográfico Pablo Blanco con motivo de la concesión del Ficus de Oro Honorífico en la XXII edición del Festival de Cine de Sant Joan d’Alacant. Con una trayectoria que supera las cuatro décadas y más de noventa producciones acreditadas, Pablo Blanco Somoza es una figura esencial para comprender la evolución del montaje en el cine español contemporáneo. Comenzó a acercarse a este oficio con apenas diecisiete años, en los estudios Cinearte, donde pudo conocer distintas áreas de la producción cinematográfica antes de decantarse por el montaje. A lo largo de su carrera, ha trabajado junto a relevantes cineastas de nuestro país y ha participado en películas que forman parte del imaginario colectivo. Entre sus trabajos destacan títulos como Airbag (Juanma Bajo Ulloa, 1997), Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), La madre muerta (Juanma Bajo Ulloa, 1993), Asaltar los cielos (José Luis López-Linares y Javier Rioyo, 1996), No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu, 2011) y Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013). Su talento ha sido reconocido con tres Premios Goya al Mejor montaje, por Airbag, No habrá paz para los malvados y Las brujas de Zugarramurdi, además de siete nominaciones en esta categoría. En 2011 recibió también la Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos. Su trayectoria fue distinguida en 2022 con el Ficus de Oro Honorífico del Festival de Cine de Sant Joan d’Alacant. En esta entrevista, Pablo Blanco reflexiona sobre el montaje como espacio creativo y sobre los procesos, decisiones y desafíos que acompañan a una profesión fundamental y poco conocida del lenguaje cinematográfico.
HALL OF FRAME VOLUMEN 4. JOSÉ LUIS ALCAINE
Diálogo con el célebre director de fotografía José Luis Alcaine, uno de los profesionales más laureados de la cinematografía española. Formado en la Escuela Oficial de Cinematografía, inició su carrera a finales de los años sesenta y, desde entonces, ha contribuido a dar forma visual a obras destacadas de nuestro cine. Su filmografía supera los ciento cincuenta títulos y abarca géneros y estilos narrativos. A lo largo de más de cinco décadas, ha colaborado con cineastas como Vicente Aranda, Víctor Erice, Carlos Saura, Pilar Miró, Manuel Gutiérrez Aragón, Bigas Luna, Fernando Trueba y Pedro Almodóvar. De estas colaboraciones han surgido películas como El sur, ¡Ay, Carmela!, Belle Époque, Mujeres al borde de un ataque de nervios, Volver o La piel que habito, ejemplos de su capacidad para adaptar la luz y la composición a las necesidades expresivas de cada historia. Alcaine también destaca por su espíritu innovador. En los años setenta fue pionero en el uso de tubos fluorescentes como fuente principal de iluminación, una apuesta que amplió las posibilidades expresivas de la dirección de fotografía. Su trabajo demuestra cómo la luz no solo define lo que vemos, sino que contribuye a construir el sentido de una película. Su trayectoria ha recibido importantes reconocimientos, entre ellos cinco Premios Goya a la mejor fotografía, el Premio Nacional de Cinematografía y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Esta conversación propone un recorrido por su experiencia, sus métodos de trabajo y los desafíos de un oficio complejo y cautivador: la dirección de fotografía, una de las artes esenciales de la magia cinematográfica.
HALL OF FRAME VOLUMEN 5. MARÍA LUISA PINO
María Luisa Pino es una profesional fundamental para comprender la evolución de los efectos especiales en el cine, un oficio que combina creatividad, destreza técnica e imaginación para hacer posible lo extraordinario en la pantalla. Desde la década de 1980, ha participado en producciones nacionales e internacionales que han dejado una huella imborrable en la historia del séptimo arte. Su trabajo está vinculado a títulos tan destacados como Furia de Titanes (Desmond Davis, 1981), La historia interminable (Wolfgang Petersen, 1984), El guerrero rojo (Richard Fleischer, 1985) y El imperio del Sol (Steven Spielberg, 1987). Estas películas representan una época en la que los efectos físicos, las criaturas animatrónicas, las maquetas y los mecanismos artesanales desempeñaban un papel esencial en la creación de mundos fantásticos y situaciones extraordinarias. En 1990, su participación en La grieta, dirigida por Juan Piquer Simón, fue reconocida con el Premio Goya a los mejores efectos especiales. Este galardón puso en valor su contribución a una disciplina que exige precisión, capacidad de resolución y una estrecha colaboración entre los distintos departamentos de producción. A través de su experiencia, Pino representa también la memoria de una forma de hacer cine en la que la experimentación y el trabajo manual permitían materializar ideas que parecían imposibles. Su trayectoria ayuda a comprender los procesos, las técnicas y los desafíos que se esconden detrás de muchas de las imágenes más sorprendentes del cine fantástico y de aventuras. Esta entrevista nos acerca a su oficio y a los entresijos de los efectos especiales, reivindicando el talento de quienes, desde detrás de las cámaras, contribuyen a construir la magia cinematográfica.
HALL OF FRAME VOLUMEN 6. JOSÉ NIETO
José Nieto es uno de los compositores fundamentales de la música para cine en España. Con una formación musical eminentemente autodidacta, comenzó su andadura en los años sesenta, vinculado al jazz y a diferentes orquestas. Posteriormente, trabajó como arreglista para grupos y artistas de prestigio, colaborando con discográficas como Zafiro y Columbia antes de orientar su actividad hacia la composición para la imagen. Su debut cinematográfico tuvo lugar en 1970. Desde entonces, ha puesto música a más de noventa películas y series, colaborando con directores como Josefina Molina, Manuel Gutiérrez Aragón, Vicente Aranda, Fernando Colomo, Imanol Uribe, Pilar Miró y José Luis Cuerda. Entre sus trabajos destacan las bandas sonoras de El bosque animado, Amantes, La pasión turca y Carmen, títulos que reflejan su capacidad para crear universos sonoros que enriquecen la narración y profundizan en las emociones de los personajes. Su lenguaje musical combina sensibilidad melódica, experimentación y un profundo conocimiento del audiovisual. Para Nieto, la música no constituye un mero acompañamiento, sino un recurso narrativo capaz de aportar significado, establecer ritmos y transformar la percepción de las imágenes. Además, ha contribuido a la formación de nuevas generaciones de profesionales y a la reflexión sobre el papel de la composición en el proceso creativo cinematográfico. Su trabajo ha recibido seis Premios Goya a la mejor música original y el Premio Nacional de Cinematografía, concedido en 2000. Estos galardones reconocen su contribución al desarrollo de la música para cine en España. Esta entrevista nos acerca a sus métodos de composición, sus decisiones creativas y su concepción del sonido como elemento esencial de la narración cinematográfica.
HALL OF FRAME VOLUMEN 7. FÉLIX MURCIA
La dirección de arte es fundamental para dar forma al universo visual de una película, y Félix Murcia es uno de los grandes referentes de esta especialidad en el cine español. Con más de cuatro décadas de dedicación profesional, ha creado espacios y ambientes que contribuyen a definir la identidad visual de numerosas producciones, convirtiendo cada escenario en una parte esencial de la narración. Su trabajo destaca en películas como El rey pasmado, El perro del hortelano y Secretos del corazón, donde la atención al detalle, la elección de materiales y el tratamiento del color permiten recrear épocas, atmósferas y contextos con extraordinaria precisión. Su capacidad para integrar arquitectura, mobiliario, objetos y texturas demuestra cómo el diseño de los espacios puede enriquecer la historia y profundizar en la psicología de los personajes. A lo largo de su carrera, Murcia ha colaborado con destacados directores y equipos técnicos, participando en proyectos de gran diversidad estética y narrativa. Su aportación ha sido reconocida con cinco premios Goya a la mejor dirección artística y el Premio Nacional de Cinematografía de 1999, distinciones que avalan su influencia en la evolución del diseño de producción en España. Además de su trabajo en los rodajes, ha dedicado esfuerzos a transmitir sus conocimientos y reivindicar la importancia de los oficios que hacen posible la creación cinematográfica. En esta entrevista, Félix Murcia comparte las claves de su proceso creativo, la colaboración entre departamentos y los desafíos de transformar un espacio en un escenario cargado de significado. Un recorrido por la dirección de arte que revela cómo cada decisión visual contribuye a construir la atmósfera, la credibilidad y la emoción de una película.
HALL OF FRAME VOLUMEN 8. YUYI BERINGOLA
Yuyi Beringola es una figura de referencia imprescindible para comprender el valor del oficio de script en el cine español contemporáneo. Con más de tres décadas de trayectoria, ha desarrollado una labor esencial para preservar la continuidad narrativa y visual de las películas, garantizando que cada plano, gesto, objeto, movimiento y detalle mantenga su coherencia a lo largo de rodajes complejos y fragmentados. Su excepcional recorrido profesional la ha llevado a trabajar junto a algunos de los cineastas más relevantes del cine español e internacional, entre ellos Pedro Almodóvar, Luis García Berlanga, Pilar Miró, Jaime Chávarri, Javier Fesser, Terry Gilliam o Isabel Coixet. Su trabajo, discreto pero determinante, ha contribuido a construir y sostener algunos de los relatos cinematográficos que forman parte de nuestra memoria colectiva. La trayectoria de Beringola permite descubrir la verdadera dimensión de una profesión a menudo invisible para el público, pero absolutamente esencial para que una película funcione. Su experiencia revela la importancia de la observación, la precisión, la memoria y la responsabilidad compartida dentro de un rodaje. Este encuentro reivindica, a través de una de las grandes maestras del raccord, el valor de un trabajo minucioso que permanece habitualmente en segundo plano. Su testimonio no solo permite conocer los secretos de un oficio fundamental, sino también acercarse a una manera de entender y amar el cine desde el rigor, la sensibilidad y la atención permanente al detalle.
HALL OF FRAME VOLUMEN 9. ANDRÉS SANTANA
Andrés Santana se posiciona como una figura imprescindible y como uno de los productores independientes más destacados del cine español y europeo. Su dilatada carrera abarca cerca de cien películas como director de producción desde 1969 —etapa en la que participó en obras clave como Los santos inocentes, La fuga de Segovia o Laberinto de pasiones—, además de una fecunda trayectoria como productor independiente caracterizada por el rigor y la independencia creativa. Su filmografía incluye títulos memorables como El rey pasmado, Secretos del corazón, El viaje de Carol, Blackthorn: Sin destino o Nadie quiere la noche. Asimismo, con Días contados obtuvo la Concha de Oro en San Sebastián y el Premio Goya a la Mejor Película. En total, Santana atesora tres Premios Goya, conquistando tres de ellos a la Mejor Dirección de Producción. A estos galardones se suma el Premio Elías Querejeta, otorgado por la Academia de Cine en reconocimiento a su audacia, su apuesta por la internacionalización y su respaldo a cineastas noveles. Desde sus inicios como figurante hasta consolidarse como productor, el profesional canario ha mantenido una filosofía de trabajo fundamentada en el compromiso absoluto con cada proyecto, colaborando con directores de la talla de Imanol Uribe, Montxo Armendáriz, Isabel Coixet o Mateo Gil. Para Santana, la producción trasciende la mera financiación: consiste en coordinar a los profesionales idóneos para convertir las historias en realidades capaces de emocionar. Esta entrega incondicional al oficio y su visión del cine como un motor de sueños consolidan a Andrés Santana como un referente magistral dentro de la historia de la cinematografía contemporánea.
HALL OF FRAME VOLUMEN 10. SONIA GRANDE
Diálogo con la célebre diseñadora de vestuario Sonia Grande, una de las profesionales más laureadas y respetadas de la cinematografía contemporánea, tanto en España como en el ámbito internacional. Formada en la Real Escuela Superior de Arte Dramático, comenzó su andadura profesional en el Teatro Español de Madrid, donde trabajó como actriz y ayudante de vestuario bajo la dirección de maestros de la talla de Miguel Narros y Andrea D’Odorico. Tras unos inicios polifacéticos que incluyeron incursiones frente a la cámara en programas culturales de televisión, a partir de la década de los noventa se dedicó plenamente al diseño de vestuario cinematográfico, convirtiéndose en la responsable de la estética de buena parte de los títulos fundamentales del cine español de las últimas tres décadas. Desde su debut y posterior consolidación, ha trabajado a las órdenes de los directores más notables, como Alejandro Amenábar, Pedro Almodóvar, Fernando Trueba, Icíar Bollaín y José Luis Cuerda, además de desarrollar una espectacular trayectoria en Hollywood y Europa junto a cineastas de renombre mundial como Woody Allen, James Gray o Asghar Farhadi. Con un palmarés que incluye dos premios Goya (por La niña de tus ojos y Mientras dure la guerra), once nominaciones a estos galardones y la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes, Sonia Grande ha vestido a estrellas de la talla de Meryl Streep, Nicole Kidman, Scarlett Johansson y Javier Bardem. Un viaje apasionante en el que conoceremos la visión sobre el oficio del diseño de vestuario en cine a través de las vivencias de esta extraordinaria artista, una referente indiscutible del séptimo arte.
